Il barbiere di Siviglia. (Associazione "Fantasia in RE", 2004) Il "barbiere" ha appena compiuto duecento anni, ed è una delle opere più eseguite al mondo. Chiunque, anche se a digiuno di lirica, si è ritrovato almeno una volta a canticchiarne la cavatina o la sinfonia. Chiunque, anche all'ennesimo ascolto, si ritrova a tenere il tempo con la testa o il piede. Ma non è solo nelle melodie accattivanti e nei ritmi trascinanti che risiede il motivo di tale successo. Una delle caratteristiche più interessanti di questo capolavoro è infatti la molteplicità dei livelli di lettura. C'è il gusto del divertimento puro e semplice fatto di battibecchi e tafferugli, ma anche il gioco più sottile degli equivoci e degli inganni. C'è la messa alla berlina di vizi universali come l'avarizia o la calunnia, ma anche elementi di satira sociale più moderni: Figaro, il popolano astuto, l'uomo "self-made", è figlio della maschera di Arlecchino e però, ribellandosi nelle "Nozze" al suo signore, sarà pure padre di quei giacobini che solo una decina d'anni dopo prenderanno la Bastiglia. E c'è il fatto che Il barbiere di Siviglia sia l'opera buffa per eccellenza, ma anche una parodia del genere medesimo, con gli interpreti che spesso si rivolgono direttamente al pubblico commentando in maniera metateatrale ciò che stanno facendo o cantando. Ci sono, soprattutto, quei pezzi d'assieme, che tanto piacevano a Stendhal e che a noi ricordano Pirandello o Beckett, in cui i personaggi sono travolti dalla catena degli eventi e perdono completamente il senno. Sicché, quando arriva l'immancabile lieto fine, permane, su tutta la vicenda, la sensazione agrodolce che, in fondo, l'eterno problema dell'incomunicabilità fra gli esseri umani resti insuperato e insuperabile. Alla luce di tali riflessioni, in questa regia si opta per un allestimento fatto di pochi elementi, una "casa in confusione", in perpetuo movimento, vista da dentro, e da fuori, con mobili che vanno e vengono, con oggetti che sembrano prendere vita e ribellarsi all'uomo, un ambiente estremamente mobile e perciò essenzialmente vuoto, in cui risaltino le "coreografie", intese come ricerca di movimenti che rendano la fisicità esasperata della commedia, rappresentino lo svuotamento del linguaggio e soprattutto permettano al pubblico di cogliere visivamente oltre che acusticamente il complesso intreccio delle voci costruito da Rossini.

Mosaici d'amore. (Compagnia dei Naufragati, 2004) Atto unico opera di Loredana Limone, vincitrice, insieme ad altri nove, della selezione per il U.A.I. Festival 2004. Dopo tanti spettacoli di professionismo, finalmente una produzione a livello poco più che amatoriale. Certo, meno budget meno pubblico meno visibilità, ma anche più libertà creativa (e anche più tempo). Questo, inoltre: anche il primo esperimento di formare un gruppo tutto mio, coinvolgendo poche persone massimamente affidabili... insomma, il primo nucleo della futura "Compagnia dei Naufragati". Quanto allo spettacolo in sé, Mosaici mette in scena una storia d'amore, anzi la storia di una storia d'amore, storia contenuta in un libro di cui discutono uno scrittore, giovane, idealista, e il suo editore, anziano, disilluso. Per loro, avendo un budget modestissimo, ho pensato a una messa in scena dalla struttura più ovvia (tavoli, sedie, arredi di recupero, poca attrezzeria) ma interamente rivestiti di carta, carta di ogni tipo, facilmente recuperabile a costo zero anche in grandi quantità. Per personaggi che vivono di storie su carta, ho insomma ricostruito un intero mondo di carta, ho reso visibile e tangibile quella cosa meravigliosa che sono la lettura e la scrittura, nella loro concretizzazione più ovvia e affascinante: il libro, smembrato e riassemblato, un libro che invade la realtà quotidiana, un libro che si fa vita.

Il flauto magico. (Compagnia dei Naufragati, 2004) Fin dai tempi della mia tesi di laurea (e forse anche da prima) sono sempre stato interessato al problema del rapporto, nella società contemporanea, tra la cultura "seria" e la cultura di massa. L'attività didattico-divulgativa, per me, non è solo profitto, ma anche un impegno per restituire ai più (storditi dalla televisione) gli strumenti per apprezzare la letteratura, il teatro, la musica - insomma: il gusto per le cose belle. Perché di questo, non d'altro, si tratta: sono semplicemente cose belle, che regalano all'individuo un arricchimento inestimabile. Tutti i miei spettacoli sono realizzati partendo dalla necessità di essere prima di tutto leggibili da qualsiasi tipo di pubblico, naturalmente senza che la leggibilità diventi banalità. Questo Flauto magico più degli altri, perché concepito per essere rappresentato nelle scuole elementari e medie. Gli attori recitano dialoghi, come al solito da me riscritti, e mimano una selezione dei brani musicali. Uno spettacolo che costa poco e offre molto.

Rigoletto. (Teatro delle Erbe (Milano), 2005) La prima di una serie di regie presso l'ormai scomparso Teatro delle Erbe. Un allestimento di cui sono particolarmente orgoglioso, per il modo in cui (con la collaborazione preziosa dei giovani scenografi Pedretti e Baldan) sono riuscito a risolvere i problemi che comporta la messa in scena di quest'opera (soprattutto il rendere "credibili" il secondo e il quarto quadro). La scenografia era costituita da pochi elementi (porte, muri, gradini, suppellettili, tendaggi) che venivano disposti diversamente di quadro in quadro a connotare le diverse situazioni. Una tale stilizzazione potrebbe far pensare a un allestimento povero e simbolico, invece il colpo d'occhio era piuttosto realistico e, oserei dire, monumentale. Il tutto grazie a idee semplici, maneggevoli ed economiche (il che è importante nell'attuale panorama della lirica italiana), come l'impiego di materiali di recupero e del polistirolo, con cui era realizzato persino l'imponente portale.

Pagliacci e Cavalleria rusticana. (Teatro delle Erbe (Milano), 2005) Una regia che ricordo con rammarico, in quanto una serie incredibile di problemi tecnici ne hanno compromesso l'efficacia. Per Pagliacci l'idea era quella di esasperare il gioco del teatro nel teatro, attraverso un meccanismo di rimandi simbolici, l'apparizione di cartelli stranianti e soprattutto ambientando l'opera non nel paesino previsto dal libretto bensì nello stesso Teatro delle Erbe, di cui la scenografia riproduceva la caratteristica sala di colore blu, fino ad arrivare alla scena finale, quella della recita, in cui all'interno del palcoscenico ne veniva creato un altro, sempre tutto blu, mettendo in corto circuito la struttura a scatole cinesi. Al termine, gli elementi scenografici accatastati alla rinfusa in questo fittizio teatrino, venivano disposti a formare l'ambientazione per Cavalleria rusticana, un'ambientazione essenziale, ai limiti dell'astratto (un tavolo e una sedia privi di connotazioni per la taverna, alcuni pannelli di stoffa verticali per il portone della chiesa). Purtroppo numerosi imprevisti legati all'impianto luci hanno penalizzato una impostazione completamente incentrata proprio sulle luci, che avevo minuziosamente studiato affinché l'effetto pittorico non fosse fine a se stesso ma fosse legato agli stati d'animo dei personaggi e al rincorrersi dei temi conduttori della partitura. Naturalmente spero quanto prima di poter realizzare questo progetto come credo meriti.

Madama Butterfly. (Associazione "Fantasia in RE", 2005) Il regista che mette in scena Madama Butterfly si trova davanti a un dilemma: che tipo di Giappone rappresentare. Cosa significava per Puccini il Paese del Sol Levante, di cui non aveva alcuna esperienza diretta? E cosa vogliamo che significhi per gli spettatori odierni? Molto si parla, e non a torto, della matrice "verista" dell'ispirazione del grande maestro toscano: in questo senso La bohème è paradigmatica, col suo scandagliare gli aspetti più realistici e apparentemente meno poetici della vita quotidiana della povera gente nei bassifondi urbani. Ma lo stesso non si può dire di Madama Butterfly. A ben guardare, il catalogo pucciniano comprende ben poco verismo in senso stretto: si pensi alle rievocazioni storiche di Manon Lescaut e Tosca, alla Cina fiabesca di Turandot, alla non meno esotica California della Fanciulla del West, al grottesco Medio Evo di Gianni Schicchi e al soprannaturale che irrompe addirittura nella più che realistica Suor Angelica. L’Oriente di Madama Butterfly è dunque solo un bozzetto in linea col gusto floreale dei primi del Novecento? Niente di più falso. Puccini sa bene che le passioni umane sono le stesse in qualunque luogo e qualunque epoca: se sceglie una storia di ambientazione giapponese, è perché vuole esaminare quelle stesse passioni proprio da una prospettiva giapponese. E ci riesce perfettamente, creando una musica che sa acquisire e rielaborare suggestioni nipponiche, che ci parla di un impero colossale eppure mai dimentico della poesia delle piccole cose, che sa scendere nell'animo di una fanciulla umile, fragile, illusa, eppure capace di un amore puro e invincibile. Quando Butterfly si toglie la vita, non lo fa per disperazione: lo fa perché non ha più alcuna via d'uscita per continuare a vivere se non rinunciare al suo amore, e lei questo non lo può fare. Tale concezione dell’estremo sacrificio di sé come autoaffermazione è profondamente giapponese, e Puccini lo ha capito. Insomma, il Giappone di Puccini non è (non poteva esserlo) una ricostruzione filologica, ma nemmeno uno sfondo posticcio. Così come non lo sono l'Egitto di Aida o la Spagna di Carmen. Questo è il progetto del nostro allestimento: abbiamo cercato di arrivare al cuore del capolavoro pucciniano, senza intestardirci nel dettaglio documentario ma nemmeno riducendo il tutto a una farsa in costume: ripulendo, stilizzando, e anche reinventando, sempre alla ricerca dell'emozione più autentica.

Felici ma non troppo. (Compagnia dei Naufragati, 2005) La prima vera produzione dei miei "Naufragati": uno spettacolo a cavallo tra l'operetta e il musical, il cui materiale di partenza è dato da A little night music, raffinato musical di Stephen Sondheim, poco noto se non per un film con Elizabeth Taylor, a sua volta ormai quasi introvabile, e quella canzone, Send in the clowns, appannaggio di tante grandi interpreti. Su questa base ho scritto, interamente in italiano, una scatenata ed esilarante commedia incentrata sul più potente dei motori teatrali: l'amore. Otto personaggi (fatti vivere da giovani cantanti modenesi dal notevole talento) si incontrano e si scontrano, si seducono e si ingannano, si mescolano sperimentando tutti gli accoppiamenti possibili e, infine, arrivano, trovando la combinazione giusta di coppie, a comprendere quel grande mistero che è la felicità in coppia. Il tutto non senza aver prima macinato una quindicina di canzoni (arie, duetti, concertati), alcune divertenti, alcune commoventi, tutte irresistibili.

Il trovatore. (Corpo Bandistico Città di Lavagna, 2005) La piazza di Lavagna, pur splendida, poco sembrerebbe prestarsi - per il suo biancore e la varietà di stili architettonici - alla medievale cupezza del capolavoro verdiano. Tuttavia, piuttosto che ignorare tali contrasti e inscatolare nella piazza un allestimento potenzialmente asettico, ho preferito esasperarli: nasce così questo Trovatore "lavagnese" in cui si incontrano - certo anche si scontrano - il bianco della chiesa e del portico, il nero della caratteristica ardesia (di cui gli zingari verdiani diventano qui scavatori) e i colori caldi degli altri elementi dello spettacolo (interamente realizzati sul posto con materiali di recupero); così come convivono i volumi squadrati di uno stilizzato castello e le rotondità delle colonne, degli archi, dei ciottoli levigati da secoli di risacca e, soprattutto, della enigmatica maschera spaccata che accompagna la zingara. Si evidenziano inoltre la perenne oscurità della notte, i riflessi della fiamma, il clangore delle spade, l'aroma del vino, il peso delle catene, la tela grezza e ruvida, il caldo sangue… la materia, insomma, da cui prorompono le passioni travolgenti di cui è pervaso, seppure elegantemente, in modi scultorei, tutto il dramma con la sua immortale musica. Molto si è detto a proposito della scarsa verosimiglianza della trama del Trovatore. Forse troppo, considerato che da difetti del genere non è esente la maggior parte dei libretti d'opera. Ma, se anche fosse, questo non farebbe altro che evidenziare ancor più la genialità di Verdi, il quale, pur partendo dal consueto triangolo sentimentale e pur procedendo per schemi tradizionali (quadri, duetti, cabalette), riesce a ottenere una tinta musicale uniforme, una perfetta pregnanza drammaturgica e un inedito approfondimento psicologico dei protagonisti: Manrico, eroico fino all'ingenuità, identità frammentata nei vari ruoli di cavaliere nero, trovatore girovago, guerriero ribelle, povero zingaro, bambino rapito, nobile ignaro anche a sé stesso; Leonora, da fanciulla candidamente innamorata a martire determinata e consapevole; il Conte, tre volte nemico di Manrico (per questioni sentimentali, politiche e famigliari), titano dell'odio, eppure custode di antichi dolori e capace di insospettabile trasporto amoroso; Azucena, mente sconvolta che è il catalizzatore di tutta la vicenda e il vero elemento di novità della medesima, personaggio a Verdi tanto caro. I quattro, tutti tesi a programmare un futuro di amore (gli uni) e di vendetta (gli altri), si ritrovano invece progressivamente prigionieri del loro passato, che si manifesta in una lunga serie di flashback e agnizioni, per poi sfociare nell'apocalittico finale, l'unico momento in cui i protagonisti si trovano insieme contemporaneamente, per restarne poi annullati: una "frantumazione" dei personaggi che, paradossalmente, coincide con la ricomposizione delle due metà della maschera nell'immagine di una strega lunare, ancestrale dea madre, violata e poi vendicata dal tragico manifestarsi della antica verità di cui è custode.

Don Pasquale. (Accademia del Teatro (Cagli (PU), 2006) Non è cosa nuova spostare l'epoca di ambientazione di un'opera, è anzi prassi consolidata (nel bene e nel male). Credo che Don Pasquale massimamente si presti a questo tipo di operazione, perché attualissima è la problematica dello scontro generazionale, nella quale ho individuato il nucleo portante (e significativo) della vicenda. Propongo dunque un don Pasquale del Duemila, un uomo all'antica, attaccato ai suoi piccoli rituali quotidiani (il caffè, il giornale), che non riesce a comunicare col nipote Ernesto - e non è solo una metafora, in quanto l'insolente ragazzaccio è sempre immerso nella sua musica e nei suoi fumetti. Proprio un mondo da fumetto, fatto di scherzi e giochi, è il mondo di Ernesto, Norina e Malatesta; con la differenza che Ernesto è un idealista privo di risolutezza e portato a drammatizzare, mentre gli altri due sono più pragmatici. La beffa da loro architettata (una beffa "metateatrale", con Malatesta "regista" e Norina "diva") consiste nel far entrare a forza il povero don Pasquale nel mondo giocoso dei giovani. È questo il senso che attribuisco a trovate come i lazzi da Commedia dell'Arte o la concretizzazione delle metafore (meccanismo, questo, basilare nei fumetti): si tratta dell'aggressione del surreale ai danni del troppo concreto don Pasquale. Quest'ultimo si ribella, ma, proprio quando crede di essere prossimo alla rivincita, entra invece a sua volta nella logica del gioco, dello scherzo, del travestimento - cominciando finalmente a parlare la stessa lingua dei giovani, che non mancheranno di restituirgli il rispetto dovuto.

Stress - Il provino. (Compagnia dei Naufragati, 2006) Ho scritto questo testo appositamente per le allieve del primo corso di recitazione che ho tenuto. Un atto unico tra la commedia noir e il teatro dell'assurdo. Quattro donne, quattro attrici all'esordio, partecipano a un provino; ma il ruolo da assegnare è solo uno. Nella stressante attesa del regista, che tarda ad arrivare, l'ambizione e l'ipocrisia scateneranno tra le concorrenti una lotta di strategia psicologica all'ultimo sangue. Una riflessione sull'ossessione della contemporaneità per il "successo" e la conseguente confusione tra ciò che si vuole essere, ciò che si deve essere, ciò che si può essere. (Da qui in poi la mia "Compagnia dei Naufragati" trova il suo assetto stabile e si orienta definitivamente a spettacoli di questo tipo.)

Don Giovanni. (Associazione "Fantasia in RE", 2006) Un'opera immensa, degna di stare accanto alle più grandi creazioni dell'umanità, quali la Divina commedia e la Cappella Sistina; un capolavoro che ci parla, come ogni vera opera d'arte, della nostra condizione di esseri umani. Già ai contemporanei di Mozart apparve chiaro che quest'opera, nonostante gli ossequi alla morale imperante, non è la banale storia di un malfattore che viene castigato. Don Giovanni è colui che, sprezzante di ogni convenzione, va in cerca dell'assoluto e perisce cercando di trascendere i limiti dell'uomo: a lui va la nostra simpatia e, se pure viene sconfitto, noi percepiamo che la sua sconfitta vale più della vittoria degli altri personaggi, che si sentivano vivi solo grazie a lui e che, senza di lui, condurranno un'esistenza mediocre e frustrata. Tali implicazioni sono una vera tentazione per il regista, il quale trova anche estrema libertà d'azione nell'atmosfera indefinita che avvolge tutta l'opera (interventi su titoli dalla scansione spaziotemporale più solida, come La traviata e Tosca, sono evidentemente più pericolosi). Però si corre anche il rischio di esagerare e, pur considerando diritto e dovere del regista il proporre una propria interpretazione, non voglio che la mia lettura diventi una riscrittura. Cerco sempre di far sì che i miei spettacoli offrano più livelli: lo spettatore non esperto d'opera deve poter capire ciò che vede, il melomane deve ricevere nuovi stimoli (e, se crede, non condividerli). Propongo quindi uno spettacolo dall'impostazione tradizionale ma non meramente illustrativa. L'impianto scenografico fisso, con pochi elementi che connotano i vari quadri, è settecentesco all'apparenza, ma non decorativo: diventa uno spazio neutro in cui vorrei far risaltare la rete di inganni reciproci tra i vari personaggi, attraverso una mia cura particolare della loro disposizione sulla scena e della gestualità (a tratti volutamente statuaria). È insomma un gioco teatrale col sapore della Commedia dell'Arte, dalla quale prelevo anche un altro elemento importante dello spettacolo: la maschera. Già richiesta dal libretto, la utilizzo ampiamente perché simboleggia a perfezione la messa in discussione dell'identità propria e altrui (ogni personaggio della vicenda almeno una volta si finge qualcun altro o viene scambiato per qualcun altro) che credo sia la vera perturbante chiave di questa sublime opera.

Norma. (Teatro delle Erbe (Milano), 2007) Anche se quella di "Norma" è una Gallia di maniera (ai tempi di Bellini era presto perché un operista si interessasse in profondità all'ambientazione e alle sue eventuali valenze simboliche) ho pensato, nel concepire questo allestimento, di dare risalto proprio a tale aspetto. La guerra tra Galli e Romani si configura come lo scontro tra due culture: la prima tribale, a stretto contatto con la natura e pervasa da un potente senso del sacro; l'altra, imperiale, del tutto resa "inautentica" dall'ipertrofia tecnologica e burocratica. Pur facendo parte dei vincitori, dunque, Pollione è affascinato dal sapere ancestrale degli sconfitti (come avvenne a tutti i romani): così sperimenta dapprima un amore trasgressivo nell'unione, che oggi diremmo "multietnica", con Norma; poi (quando questo comincia ad apparirgli isterilito) cerca di rivivere la stessa trasgressione con la giovane Adalgisa; passa quindi attraverso gesti di vigliaccheria e opportunismo; ritrova infine nella sua sposa il grande mistero dell'unione del tutto. - Un tormento simile patisce Norma. È sacerdotessa votata alla castità, eppure si unisce al nemico spinta da un autentico desiderio di pace, celebrando così delle vere e proprie "nozze sacre", e lo stesso fa allorché scioglie Adalgisa dai voti: segni del fatto che ella considera la sostanza e non la forma delle leggi. Contaminata dalla volubilità di Pollione, però, sperimenta la seduzione dell'egoismo e della violenza, sfoga la propria furia sullo sposo, sulla rivale, sui figli (in una scena tuttora agghiacciante), rischia di scatenare una nuova guerra. Ma alla fine sa riscattare sé stessa, con un gesto di sublime generosità che fa ravvedere lo stesso Pollione. - I Galli, invece, pur partendo da una esistenza autentica e naturale, dimenticano sé stessi e finiscono per assomigliare proprio ai loro nemici: essi pregano un dio maschile e violento (non certo la celebre casta diva), non sanno più vedere dentro la forma esteriore della legge e del rito, coltivano la violenza vendicativa invece del riscatto patriottico. Qualcosa, forse, imparano Oroveso, costretto ad un umanissimo gesto di pietà, e Adalgisa, che compete con Norma in slanci d'altruismo. - Ho dunque calato la vicenda in una ambientazione che enfatizza l'elemento naturale: tinte notturne, acquatiche, lunari, che rischiarano una vegetazione dalla quale i Galli poco si differenziano, almeno all'inizio. Per l'abitazione di Norma, invece, ho fatto riferimento all'immagine della caverna, archetipo della maternità, ribollente crogiolo in cui dominano i colori caldi del focolare sacro e delle sanguigne passioni che animano questa grande opera.

Gianni Schicchi. (Teatro delle Erbe (Milano), 2007) È noto che Gianni Schicchi trae argomento da alcuni versi dell'Inferno di Dante: pochi (e non memorabili come quelli su Francesca o Ulisse), eppure bastanti perché Puccini ne facesse quello che è forse il capolavoro buffo del Novecento. Gianni è discendente di Figaro: rappresentante della "gente nova" (oggi diremmo self made man), non concepisce mai un'astuzia senza un tocco di ironia. Puccini ne nobilita le imprese, in quanto realizzate a favore di due giovani innamorati e a scapito di una famiglia di ipocriti egoisti. Ho dunque pensato, per questo allestimento, di proseguire sulla strada della "riabilitazione" di Gianni, identificando senza mezzi termini i perfidi Donati con i sette peccati capitali (avarizia, superbia, goloseria, pigrizia, invidia, iracondia, lussuria: anche in accordo con la fonte dantesca) e collocando l'ambientazione in un tempo irreale che renda universale questo spietato ma divertito ritratto della meschinità umana: se pure all'Inferno ci finisce proprio lui, "con licenza del gran padre Dante" noi continuiamo ad amare proprio Gianni Schicchi.

La scala di seta. (Teatro delle (Milano), 2007) L'abbinamento de La scala di seta col Gianni Schicchi permette quasi di cogliere in un colpo solo l'intero percorso dell'opera buffa italiana, andando a ritroso dal maturo capolavoro di Puccini all'acerbo esperimento di Rossini, consacratore del genere. Certo, La scala di seta non è un capolavoro, ma solo in confronto a ciò che Rossini comporrà poi. A ben guardare, invece, questa farsa già presenta elementi caratteristici e innovativi: la finezza nel trattare le sfumature del sentimento e la famosa "follia organizzata" che esplode quando gli equivoci giungono a un punto senza ritorno, anticipando quasi il "teatro dell'assurdo" (finanche nella decostruzione linguistica). - Anche per questo allestimento ho dunque scelto una ambientazione semplice e astratta ma universale, come universali sono le situazioni mostrate, con l'elemento dell'eponima "scala di seta" a visualizzare il complesso intreccio delle relazioni tra i personaggi; intreccio che si risolve sì nel migliore dei modi, ma lasciando il dubbio che i rapporti umani siano ineluttabilmente destinati alla confusione e all'incomprensione.

Trash - Siamo tutti spazzatura. (Compagnia dei Naufragati, 2008) Un arrogante artista è diventato famoso realizzando sculture fatte di... spazzatura. Le donne che lo circondano (una moglie perbenista, una figlia disabile, una cognata snob, una suocera alcolizzata e una mondana giornalista) intrecciano equivoci e inganni, che culmineranno nella sua misteriosa morte. Una commedia nera che indaga sull'immondizia che abbiamo fuori e dentro di noi, da me scritta appositamente per i talenti della confermata (e ingrandita) "Compagnia dei Naufragati".

Savitri. (Teatro "Guardassoni" (Bologna), 2008) Oltre il velo di Maya. Savitri non è solo una donna che riesce a resuscitare l'uomo amato, è sopratutto un'anima che, attraverso l'esperienza del dolore, raggiunge l'Illuminazione: comprende che, se la vita è Maya ("Illusione"), allora lo è anche la Morte. Allorché Savitri impara a danzare al perpetuo ritmo di creazione e distruzione dell'universo, arriva a dominarne le forze - perché è in armonia con esse. Tale il senso ultimo di quest'opera con cui Holst raggiunge, oltre a mirabili esiti poetici e musicali, una penetrazione profonda della filosofia induista; tale l'aspetto che ho voluto metterne in risalto, in un gioco teatrale dichiarato che si ispira, rielaborandola, all'iconografia induista, con particolare attenzione ai "mudra", i gesti delle mani ognuno dei quali ha un preciso significato che forse il pubblico occidentale contemporaneo non saprà interpretare ma da cui riceverà sicure suggestioni.

Smog - Aria buona. (Compagnia dei Naufragati, 2009) Alla pensione "Aria buona", gestita da un'autoritaria taumaturga votata alla liberazione dell'umanità dalle fantasticherie, si incontrano due signore appassionate di polizieschi, due coniugi amanti di horror, un uomo fanatico di fantascienza e una cameriera che vive di favole. La tensione, dovuta alla misteriosa scomparsa di un artigiano del posto e all'inspiegabile smog che si addensa attorno alla pensione, porta fatalmente a scontrarsi le diverse interpretazioni della realtà proprie di ognuno, con esiti violenti e paradossali. Dopo Stress (2007) e Trash (2008), la "Compagnia dei Naufragati" prosegue il suo percorso sulle parole chiave della contemporaneità, presentando una nuova commedia nera in cui il mistero, l'assurdo, il grottesco si fondono per smascherare le nostre ipocrisie quotidiane.

Raccontando "La traviata". (Associazione "Mo-Mus", 2009) Una Traviata concepita dal direttore d'orchestra Stefano Seghedoni perché la ormai collaudata formula della "riduzione" non sia "riduttiva" bensì un arricchimento. Ecco allora che le pregevoli interpretazioni dell'ensemble cameristico e dei tre cantanti solisti vengono inframezzate dagli interventi di una voce narrante, per la quale sono stato onorato di poter scrivere il testo. E, piuttosto che limitarmi alla banale esposizione della trama, ho avuto l'idea - che credo sia stata vincente - di rielaborare alcune pagine de La signora delle camelie di Dumas figlio (tutti conosciamo La traviata, ma quanti di noi ricordano il romanzo da cui fu tratta?) e di quel capolavoro che è Frammenti di un discorso amoroso di Barthes, in modo da gettare una luce crudele e tenera sulle finzioni d'amore di Violetta e Alfredo, che sono le stesse piccole maschere che noi stessi - volontariamente o meno, consapevolmente o meno - ci creiamo nella quotidianità dei sentimenti.

Cenerentola. (Associazione "Fantasia in RE", 2010) Mi sento molto in sintonia con Rossini, che in quest'opera - oltre all'immancabile satira sociale, terreno di elezione dell'opera buffa - riesce a scendere come pochi altri nell'animo umano: si pensi al modo in cui sa immortalare il colpo di fulmine tra Cenerentola e il Principe, o quello in cui getta uno sguardo metanarrativo su tutto lo spettacolo grazie all'ironia di Dandini; oltre naturalmente a quelle che sono le chiavi di volta della drammaturgia musicale rossiniana: quei pezzi d'assieme in cui i personaggi, campionario esemplare d'umanità, sono letteralmente travolti dalla catena degli eventi da loro stessi messi in moto e... perdono completamente il senno. Rossini è autenticamente il precursore delle attuali tecniche del teatro dell'assurdo. Il libretto, poi - evento raro nella lirica - è uno scrigno di invenzioni linguistiche e giochi di parole (oltre al "Nodo rintrecciato" voglio menzionare almeno lo spassosissimo "Addio, cervello!" di Don Magnifico). Per quanto riguarda la regia, come sempre con Rossini, ho lavorato sul fronte delle gag (grazie all'insegnamento della comicità dei manga) e della "coreografia", intesa come ricerca di movimenti che permettano al pubblico di cogliere visivamente oltre che acusticamente il complesso intreccio contrappuntistico delle voci messo in campo da Rossini (e questo invece grazie all'insegnamento di Jean Pierre Ponnelle). Per Cenerentola, in più mi sono inventato una serie di riferimenti extratestuali a Miseria e nobiltà: l'entrata di Dandini come quella di Totò travestito da Principe, il finale primo realizzato come la "tarantella con spaghetti", il duetto dei buffi che richiama la scena della dettatura della lettera e così via... C'è anche un motivo autobiografico in tutto questo: con Cenerentola, che è uno dei titoli che prediligo, festeggio nel 2010 gli esatti vent'anni da quando sedicenne misi per la prima volta piede su un palcoscenico: e facevo il "cuoco" (parte muta della durata di pochi secondi!) proprio in una produzione liceale di Miseria e nobiltà...

Scene dal Risorgimento: L'amante di Gramigna - La santa di Arra. (Accademia musicale "Vivaldi" (Carpenedolo (BS)), 2010) Un piccolo gruppo di cantattori e musicisti, in uno spazio scenico ristretto connotato da pochi elementi simbolici, fa rivivere le suggestioni delle pagine di due grandi della letteratura italiana di fine Ottocento: Giovanni Verga e Ippolito Nievo. Autori lontani geograficamente e culturalmente, eppure accomunati dall'intento di rappresentare la provincia italiana della loro epoca: stupisce – ma non troppo – trovare imprevedibili giochi di corrispondenze tra realtà così diverse, quella siciliana e quella friulana, segno ulteriore di una allora nascente unità nazionale. Realtà contadine difficili, spesso enigmatiche, che il paroliere-regista Pierluigi Cassano e il compositore Massimo Malavasi raccontano, sulla scia di Verga e Nievo, ispirandosi alla cultura popolare, senza pretese filologiche bensì intenti a creare qualcosa di nuovo che sia anche fortemente radicato nelle tradizioni di un'Italia che si sta purtroppo perdendo e che invece si dovrebbe riscoprire, per poter trovare nel passato le ragioni del presente e anche le speranze del futuro.

Look - Sogno di una notte di metà estate. (Compagnia dei Naufragati, 2010) In un atelier d'alta moda fervono i preparativi della sfilata di metà estate. Ma – tra modelli, fotografi, giornalisti e celebrità varie – si aggirano i Vampiri, eternamente belli eppure anche loro, come gli umani, alla ricerca del senso della vita… Dopo Stress (2007), Trash (2008), Smog (2009) – la Compagnia dei Naufragati, arricchita di nuovi talenti e delle affascinanti musiche di Massimo Malavasi, prosegue il suo percorso sulle parole chiave della contemporaneità con Look, rilettura – attuale, musicale, gotica – del Sogno di una notte di metà estate. Venti cantattori impegnati in un musical shakespeariano ricco di risate, sangue, colpi di scena e interrogativi sul culto dell'apparenza che caratterizza la nostra società facendoci dimenticare le domande fondamentali dell’esistenza, domande a cui ogni personaggio – e speriamo anche ogni spettatore – alla fine darà la propria risposta.

Show - Tutta la verità su Edipo. (Compagnia dei Naufragati, 2011) Tragicommedia ispirata a Edipo re di Sofocle e La morte della Pizia di Friedrich Durrenmatt. Prima parte: antica Grecia. Una tremenda pestilenza infuria sulla città di Tebe. Il re Edipo, già risolutore dell’enigma della Sfinge, si impegna a scoprire il perché di tale misterioso castigo divino. E trova una orribile verità... Seconda parte: giorni nostri. Edipo, ormai derelitto, riceve le visite dei fantasmi del proprio passato, ognuno dei quali ha da raccontare una differente versione dei fatti. E stavolta si scopre che la verità non è mai una sola.

Nuovo arsenico e vecchie riforme. (Compagnia "Ultima fermata", 2012) È pericoloso insegnare all'Istituto Tecnico "Zitti": infatti i professori, specialmente i precari, spariscono misteriosamente uno ad uno... Il giovane Maury scopre che responsabili di tutto sono sua zia Teresa, impiegata di segreteria, e il folle preside Garibaldi: i due avvelenano i docenti per aiutarli a "trovare la pace" in un sistema scolastico che ormai va alla deriva. Maury cerca di decidere sul da farsi; ma non è facile, perché nel mentre deve vedersela pure con la simulazione della Maturità, l'isterica fidanzatina, un amico sballato, una tirannica vicepreside, un mostruoso ispettore inviato dal Ministero per applicare la Riforma e... una terribile colite! Con questa commedia poliziesco-scolastica, ispiratami dall'indimenticabile Arsenico e vecchi merletti, ritorno all'I.T.I. "Fermi", dove ho l'onore di dare un seguito all'opera trentennale dei professori Milena Nicolini e Ivan Andreoli, e provare la gioia di lavorare con tanti giovani talenti.